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“Quando anche le donne si misero a dipingere” – Un “libro caramella”

Titolo: Quando anche le donne si misero a dipingere
Autore: Anna Banti
Editore: Abscondita
Collana: Miniature

Definirei questo libro, un “libro caramella”. Si perché dalle pagine di questo volumetto di sole 93 pagine, possiamo assaggiare piccole storie di donne, alcune deliziose, altre appiccicate agli uomini della loro vita.

Come in un sacchetto di dolciumi possiamo scegliere quale leggere per prima e alla fine eleggere la nostra preferita.

Non troveremo le “caramelle” più famose. Un gusto al quale il nostro palato è già in qualche modo abituato. Avremo la possibilità di assaporare le vite di artiste che hanno vissuto la loro modesta carriera in secondo piano. I libri di storia dell’arte non le ricordano quasi mai. Eppure con la loro esperienza hanno creato dei precedenti degni di nota. Sia per quanto riguarda la storia dell’emancipazione femminile sia per quanto riguarda la storia dell’arte. Tra queste ricordiano Berthe Morisot, esponente donna del movimento impressionista.

L’autrice, Anna Banti (pseudonimo di Lucia Lopresti) si occupava di critica d’arte ed era saggista molto attenta alla condizione femminile. Suo è anche il libro dedicato ad “Artemisia” Ed. SE.

Non mi resta che augurarvi una piacevole lettura!

Per acquistare i libri appena citati:

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Berthe Morisot

14 gennaio 1841 –  è una giornata fredda, la neve copre i tetti delle case e il cielo riflette questo candore luminoso e avvolgente. Siamo nella città di Bourges, un paesino situato nella Valle della Loira, e la famiglia Morisot è in trepidante attesa. Mamma Marie-Joséphine-Cornélie sta per dare alla luce la piccola Berthe.

Questa luce, così intensa, fragrante e vivida la ritroveremo protagonista delle sue tele. Sì perchè la nostra Berthe da grande farà la pittrice. Ancora da bambinetta dimostrò le sue attitudini e fu incoraggiata all’arte della pittura dal padre. Successivamente quando la famiglia al completo (sorelle e fratello compresi) si trasferì nei pressi di Parigi, venne seguita privatamente da una serie di maestri. Ebbene sì, si trattava esattamente di lezioni private. Non con il metodo CEPU, recupero anni scolastici. Berthe fu “costretta” ad avere maestri privati perchè all’epoca l’École des Beaux-Arts non ammetteva le donne.

Unitevi con me in un gaudioso applauso per i coniugi Morisot, che nonostante questo ostacolo le diedero l’opportunità di esprimere la sua vera essenza attraverso la pittura e a noi più tardi di godere di tanta beltà.

Tra i suoi maestri più importati ci fu il celebre Jean-Baptiste Camille Corot, che suggerisco di approfondire agli amanti del paesaggio. Lui fu infatti uno dei massimi esponenti di questo genere. Il buon Corot da amante della natura non fece altro che introdurla nella sua passione facendole conoscere il meraviglioso mondo della pittura en plein air.

Fortunatamente il caro papà, fece costruire per lei e le sorelle (anche loro aspiranti artiste) un piccolo atelier nel giardino di casa, in modo tale che potesse sperimentare e studiare meglio il mutare della luce sulla natura.  Dico fortunatamente perchè ancora una volta il connubio donna/artista diede ulteriori problemi a Berthe. L’arte per le donne non sa da fare, recarsi allegramente in un parco pubblico per dipingere è un oltraggio. Facile intuire la frustrazione della nostra Berthe che trovava ad ogni angolo un muro che impediva alla suo talento di fiorire nel modo più naturale possibile.

Spesso in preda alla depressione è perennemente scontenta delle sue opere. La sua autocritica e logorante pignoleria saranno però la chiave della sua tenacia. Era pur sempre del segno del Capricorno! Divenne in poco tempo un modello d’indipendenza, tenacia e di talento anche per i colleghi maschi. Cocciuta e testarda cambiò direzione e accolse nelle sue tele altre tematiche a lei molto care, la figura della donna in primis, l’ambiente domestico e i bambini.

Berthe Morisot ritratto

Tra i suoi colleghi ricordiamo in particolar modo Eduard Manet. Il loro legame fu molto intenso. Lo testimoniano scritti privati e confidenze che entrambi fecero ad altre persone. Non mancarono i gossip. Lui sposato, lei giovane e bella artista che tenta di entrare nel gruppo degli impressionisti grazie a certe “referenze” … Sicuramente la loro storia avrebbe potuto essere sulle copertine delle odierne riviste specializzate quali “Novella 2000”, “Gente”, “Chi” e il bollettino parrocchiale.

Non mi sono soffermata molto su questo aspetto della sua vita. Mi limito a pensare che il destino mise sul cammino di questa donna un grande artista, che fu il suo mentore, collega, amico e poi anche cognato. Berthe sposò Eugène Manet, il fratello di Eduard. Divenne quindi la signora Manet. Impressionista di dato e di fatto.

Vi invito a scoprire le sue opere, la loro vibrante sensibilità prima di tutto di donna e poi d’artista. Osservate le sue pennellate, quanto sono intense?! Ammirate i suoi soggetti, quanto è percepibile la loro umanità? Ascoltate la sua forza. Siate alleati insieme a me delle sue battaglie. Berthe ha vissuto in una società che le chiudeva le porte di un parco PUBBLICO perchè una donna NON PUO’ DIPINGERE. Come se quel gesto fosse un atto osceno.

La culla

Quando morì si limitarono a incidere sulla pietra “vedova di Eugene Manet”, senza alcun riferimento alla sua professione. Come se quella parte della sua vita…che era a tutti gli effetti LA SUA VITA non fosse degna di nota.

Forse può sembrare che questo ultimo smacco abbia sancito una vittoria a favore di quella società stolta e chiusa. Invece no, tutt’altro. Berthe oggi è ricordata sui libri di scuola, le sue opere abitano nelle sale dei più grandi musei al mondo e a Parigi le hanno pure dedicato un giardino…guarda un pò.

Hai vinto tu cara Berthe! E noi con te!

Grazie!

 

 

 

 

 

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2019

Ed eccoci di nuovo qui con un bagaglio di obiettivi da raggiungere. Chi di noi si sente immune da questo marasma di buoni propositi?

Il povero 2019 è appena iniziato ed io l’ho già caricato di pensieri e progetti di ogni forma e colore. I miei occhi proiettano sogni, il mio cuore scalpita e la mia mente rimbalza da un pensiero all’altro. Insomma l’anno nuovo ha solo dieci giorni e in casa TraMe Arte è già un gran casino!

Ma si sa, ogni cambiamento presuppone una rivoluzione.

Durante gli ultimi giorni dell’anno ho scritto sul mio nuovo quaderno dei desideri, l’elenco degli obiettivi/progetti che vorrei portare a termine o quantomeno iniziare nel 2019. Sono pochi ma molto ambiziosi.

Poi un bel giorno ho deciso di partecipare ad un workshop tenuto dalla fantastica Business Coach Roberta Moretti e da pochi progetti ambiziosi ne sono uscita con UN MACRO OBIETTIVO SUPER AMBIZIOSO. Quest’idea torna continuamente a farmi visita. Spesso si nasconde sotto mentite spoglie ma in fondo è sempre lei che bussa alla mia porta. Chissà che questa sia la volta buona…o meglio…LA SVOLTA BUONA.

Grazie alle indicazioni di Roberta ho sviscerato il progetto in piccoli passi, necessari per arrivare alla meta, quella fantomatica vetta che dal punto di vista in cui mi trovo ora sembra lontana anni luce. So di non essere sola in questo pellegrinaggio esistenziale. Ognuno di noi ha un cassetto brulicante di sogni. Qualcuno non ha il coraggio di sfiorare nemmeno il pomello di sto benedetto cassetto, altri si tengono alla larga anche dalla sola IDEA di cassetto, figuriamoci pensare che dentro ci siano dei sogni!

Quanta confusione, quante paure si palesano al nostro cospetto. Non so esattamente quale sia la chiave per andare oltre a questa gabbia di titubanze ma una cosa è certa, ascoltarsi è il primo passo da compiere sempre e comunque. Porre attenzione non significa però frenare il nostro cammino. Significa analizzare le corde più intime di noi stessi, conoscere queste paure, ri-conoscerle e farle nostre alleate. Trasformarle in fionde e non in catene. Dobbiamo usare tutta la nostra forza unita ad una buona dose di sana incoscenza e compiere questa magia.

Il “mi piacerebbe”, “vorrei tanto ma” sono frasi da falliti cronici. Ogni volta che sento queste parole i miei nervi iniziano a ballare la taranta. Il punto è, rimanere vittime di se stessi o essere motivo di orgoglio e magari esempio per gli altri?

Io non so se riuscirò a raggiungere il mio super obiettivo ma so che ho già iniziato a lavorare per poterlo trasformare finalmente in realtà. Un passo alla volta. Ho scelto come compagne di viaggio “Costanza”  e “Tenacia”. Le trovo perfette. Sono entrambe molto socievoli, divertenti e al tempo stesso serie e precise. Giusto quello di cui ho bisogno.

Non mi resta che augurare anche a te che stai leggendo di aprire gli occhi un giorno e renderti conto che quello che vedi non è un sogno ma la tua vita.

 

 

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Artemisia

Oggi faremo insieme un viaggio. Vi porterò nella Roma del Seicento.

Immaginate di passeggiare con me per le strade della città eterna. Fate attenzione a non sbattere contro qualcuno e soprattutto guardate bene dove mettete i piedi! Roma in questo periodo è un cantiere a cielo aperto! Il clero e le più ricche famiglie romane sono diventati una calamita per grandi artisti e architetti che stanno letteralmente rivoluzionando la città!

Guardate davanti a voi! Vedete quelle immense colonne! Lì stanno realizzando il Colonnato di San Pietro!

E dall’altra parte della strada, avete visto quell’uomo con quel viso corrucciato? E’ Caravaggio, incazzato nero perché gli hanno rifiutato l’ennesima opera (Morte della Vergine – 1601-1605/1606). Vagherà per locande e per i vicoli più malfamati in cerca di qualche rissa, finchè, lo sappiamo, ci scapperà il morto…e lui sarà costretto a fuggire lasciando Roma e tutta una serie di artisti suoi seguaci, che hanno sviluppato negli anni a seguire lo stile cosiddetto Caravaggesco.

Tra questi seguaci troviamo Orazio Gentileschi padre della grande Artemisia: la donna “Caravaggio”.

Durante questo viaggio incontriamo lei. Una bambinetta che corre svelta. Artemisia ha il passo deciso, non è come le sue coetanee che saltellano, giocano. Lei va dritta, sicura verso il percorso che la vita le ha designato. Ha appena perso la sua mamma. E’ stato tutto così assurdo. Un attimo prima attendevano insieme con trepidazione la nascita del nuovo fratellino, quello dopo il silenzio, la morte. Ha mescolato lacrime di gioia per la nascita del piccolino con quelle del dolore più immenso che una bambina della sua età possa mai provare. “La mamma è morta Artemisia”. I suoi occhi si spalancano in un urlo di dolore e scappa via. Non sa dove andare. Smarrita, sola, travolta da una sofferenza troppo grande da sostenere. Per non cadere decide di correre. Scappare per le vie di quella città in subbuglio. In cui gli uomini iniziano già a guardarla con interesse, con quello sguardo lascivo che lei ancora non contempla, non permette. Artemisia vuole solo la sua mamma. Dopo ore di cammino, torna a casa. Si arma di foglio e grafite e inizia a disegnare, sfogando così nell’arte il suo dolore. Dimostra una dote naturale, acquisita dal padre che la accoglie nella sua bottega. Qui lavora e cresce circondata dai sei fratelli e da altri illustri pittori che le insegneranno l’arte del disegno e della pittura. Tra questi Agostino Tassi, amico del padre prima di tutto e poi maestro di prospettiva della stessa Artemisia. Agostino Tassi: l’uomo che strapperà ad Artemisia l’ultimo lembo di fanciullezza, l’uomo dello stupro, quel gesto che segnerà per sempre la sua esistenza e anche il suo ricordo a venire.

Artemisia non è una donna come le altre. Il suo corpo è lacerato dalla violenza, ma il suo animo no. Confessa al padre il sopruso subito. Ci vorrà un anno prima che Orazio si convinca a denunciare Tassi. All’epoca dovevano essere i coniugi (o in tal caso il padre) a vendicare l’onta subita. La violenza non era considerata un’offesa alla donna bensì all’uomo che la possedeva, di cui ne era proprietario.

Il processo fu un ulteriore condanna. Artemisia accetta di testimoniare sotto tortura, viene sottoposta alla sibilla, supplizio progettato per i pittori, che consiste nel fasciare loro le dita delle mani con delle funi fino a farle sanguinare. Alla fine il Tassi ne risulterà indenne, pur riconosciuto colpevole tornò in libertà dopo meno di un anno. Saranno i Gentileschi a subire notevoli danni morali. Prima fra tutti ovviamente la nostra Artemisia, ricordata più per questo devastante episodio che per la sua arte. La “pittora” (così si faceva chiamare), la prima donna ammessa all’Accademia delle arti del disegno di Firenze, città cui sarà destinata a seguito di un matrimonio riparatore con un pittore fiorentino, anche lui poco entusiasta di avere per moglie un’artista così dotata e assolutamente poco affabile alle pratiche domestiche.

Firenze sarà per lei una rivalsa. La rinascita di una donna così intimamente legata alla sua pittura da renderla indipendente grazie alle importanti commissioni ricevute dalle famiglie fiorentine (Medici compresi) e dalle amicizie degne di nota con altri rivoluzionari dell’epoca come Galileo Galilei che nutre per lei grande stima.

Artemisia sarà la prima artista donna a guadagnarsi, pennellata dopo pennellata, la sua autonomia. Non avrà bisogno della dote di famiglia per vivere ne di quella del marito. La sua emancipazione è un esempio di forza e caparbietà. Il suo amore e desiderio viscerale di dipingere saranno la sua ancora di salvezza. Stimolo continuo per un riscatto prima di tutto morale.

I suoi dipinti sono una denuncia continua. L’unica arma a sua disposizione. Artemisia non può restare in silenzio. Deve gridare al mondo intero quello che una donna può subire ma anche e soprattutto quello che è in grado di fare.

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Veste i panni di Giuditta e sfodera la spada per tagliare la testa al suo carnefice. Impassibile, glaciale, infonde la lama in profondità e vendica con la morte la violenza subita. La brutalità di questo gesto non si addice ad una donna, ma Artemisia non ha paura di sporcarsi le mani. I suoi colori, sono il sangue mai versato, la tela la giustizia mai concessa. La rabbia, il senso di abbandono, le ferite ancora aperte, le parole non dette prendono vita nella sua arte e lei di conseguenza sopravvive.

Qualcuno sostiene che Artemisia Gentileschi non sarebbe l’artista che conosciamo se non avesse subito quella violenza. Così come Frida non sarebbe Frida senza l’incidente.

Non so dare una risposta a queste affermazioni. Penso solo che non esiste un’Artemisia, una Frida…

Ognuna di noi può essere ciò che desidera. Sempre e comunque. Non esistono uomini o donne che possono ostacolare o veicolare le nostre scelte.

Non esiste violenza più grave dei limiti che imponiamo a noi stesse.

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#compagnidiviaggio

In questi giorni, costretta a ore di riposo per Gino (il ginocchio malconcio…) mi sono dedicata ad una serie di preventivi che avevo in arretrato… Progetti da inviare…e nuove ricerche da fare.

Quando mi occupo di questo genere di attività accanto a me (oltre a Nina ovviamente…e sporadicamente Gaspare…) ci sono sempre loro:  i miei insostituibili compagni di viaggio…
“Signora Agenda” by La Nave di Teseo e “Desiderio” il Quaderno dei desideri by Buffetti

Elementi del quotidiano di cui non potrei più farne a meno. I “mai più senza” per dirla alla Enzo Miccio.  Loro mi seguono ogni santo giorno, nei miei infiniti spostamenti, mi aspettano accoccolati l’uno all’altro nel mio zaino/valigia, si aprono con entusiasmo ogni qual volta devo annotare qualcosa di importante e sembrano sorridere soddisfatti quando percepiscono una certo entusiasmo nel mio modo di scrivere. Signora Agenda e Quaderno dei desideri sono parte di me. Senza di loro mi sento come se mi mancasse un arto. *Nota bene: programmare una seduta dalla psicologa per approfondire attaccamento viscerale e morboso a cose inanimate.

Oggi vi presento Signora Agenda.

Signora Agenda è la più anziana dai due…sì perchè sono ormai devota a questa edizione da ben 3 anni, e ovviamente anche il 2019 mi vedrà tra i suoi adepti.

La scelta di un’agenda è un’attività molto complessa a mio avviso. Non puoi affidarti al caso. A quella che ti attira maggiormente dagli scaffali. L’agenda è come la scelta di una casa, di un abito da sposa (per chi si sposa).

PEM! Grande affermazione! Ma pensateci bene.

La nostra agenda in qualche modo ci rappresenta. In lei troviamo lo spazio di cui abbiamo bisogno. Le pagine bianche che desideriamo colmare di appunti e promemoria. Il profumo della carta, la consistenza dei fogli, il colore delle pagine, della copertina, come sono organizzati i giorni della settimana (pagina intera, mezza pagina…), la dimensione (tascabile, enorme, via di mezzo), elegante, minimal, pacchiana, sobria, esuberante.

Insomma ci sono una serie infinita di dettagli fondamentali che portano alla proclamazione della NOSTRA AGENDA.

Non so voi ma personalmente quando giunge il momento del “SI LA VOGLIO”, c’è sempre quella gioia e soddisfazione (del tipo “ce l’ho fatta non mi sembra vero!) mista a incredulità…DUBBIO. Quel dubbio che alla cassa ti fa esitare un attimo. La commessa pronuncia l’importo e tu pensi “Dai tutto sommato non ho speso tanto…” e subito il dubbio incalza…”Ma se hai speso così poco alla fine avrai comprato un’agenda che non vale niente…”. Quindi resti li. Con lo sguardo proiettato nell’universo cosmico delle incertezze e non molli la carta di credito. La voce implorante della ragazza ti riporta nel mondo dei vivi e con un sorriso ti invita a pagara sto caspita di agenda.

Un ultimo sguardo alla povera commessa, un respiro ed ecco. Ora l’agenda è tua. Accuratamente riposta nel suo sacchetto di carta reciclata è li che non vede l’ora di essere ufficialmente accolta nella tua incasinatissima vita ordinaria.

Ovviamente il dubbio non ti ha ancora abbandonato. Esci dal negozio e proponi SUBITO un caffè. Prima di tutto perchè la scelta ti ha spossato completamente, secondo perchè DEVI RICONTROLLARE E RIVALUTARE PER LA MILIONESIMA VOLTA CHE LEI SIA L’AGENDA GIUSTA PER TE!

Qualcuno la chiama precisione, attenzione, altri la definiscono indecisione, i più diretti mania, gli amici veri PATOLOGIA. Fatto sta che al termine ti tutto questo estenuante iter di valutazione io la mia agenda l’ho trovata! Ed è perfetta!

Colorata, allegra, ordinata, ma allo stesso tempo fonte di attimi di introspezione potenti, sì perchè l’agenda de La Nave di Teseo sceglie una tematica diversa ogni anno e raccoglie una serie di pensieri del celebre scrittore Paulo Coelho.

E niente…questa è la storia di Signora Agenda. Io la adoro. E non la cambierei per nulla al mondo. Ormai vado sul sicuro. I tempi dell’indecisione sono ormai parte di un passato assai remoto. Ora navigo spavalda sulla nave delle conferme. Entro con passo svelto e sicuro in libreria, la vedo da lontano, lei mi sorride, sa che sto andando a prenderla, e non appena la tengo fra le mani e respiro il suo profumo sento una sensazione di pace e serenità indescrivibile, che solo le agende del cuore ti possono dare.

Il 2018 sta per finire ed io non vedo l’ora di acquistare la nuova edizione 2019.

E tu hai la tua agenda del cuore?

 

 

 

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A volte ritornano

Sopravvissuta egregiamente ad una rovinosa caduta su me stessa, mi sono trovata, una domenica d’autunno, in uno stato di immobilità temporanea.

Una condizione che ha riportato subito la mia mente a questo blog, vittima dello stesso intoppo. Ed eccomi di nuovo qui, con la mia sporta di buone intenzioni, pronta a rompere il silenzio. A raccontare cose, riprendere argomenti, recuperare spazio e tempo per questa attività del tutto irrilevante nella mia esistenza, ma che in qualche modo rappresenta una piccola esigenza “fisiologica”.

Lo confesso. Anche io vorrei condividere storie avvincenti su instagram. Riprenderrmi mentre guido senza cinture di sicurezza, inebetita davanti al cellulare, in preda alle smorfie più fighe per catturare l’interesse del mio numerosissimo pubblico…

Avere il mio coraggio di mettere in primo piano la mia faccia e tenere dietro le quinte i miei pensieri.

Ma in questo momento della mia vita, nonostante abbia fatto alcuni miseri tentativi, proprio non ce la faccio. Il mio genuino accento bresciano non aiuta. Ve lo dico.

Ho scelto di scrivere. Probabilmente se la mia insegnante di italiano delle medie sapesse di questo blog inizierebbe a ridere a crepa pelle… e cadrebbe esanime su se stessa (un po’ come è successo a me domenica).

Causa del decesso: picco di ilarità spasmodica.

A parte esorcizzare traumi adolescenziali, il mio intento è quello di proseguire con quella che è diventata negli ultimi anni, la mia sfida personale, una sorta di missione:

Toccare le corde più profonde dell’animo umano attraverso l’arte. Portarla sul vostro schermo, lasciarvi catturare dal suo sublime potere e magari risvegliare cervelli assopiti…

Il mio vista l’ora sta prendendo quella direzione…

Ma domani è un altro giorno…

Come diceva la Ross🤟🏻

Buonanotte Tramini😴

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Frida: Passionale resilienza

La scorsa settimana ho visitato la mostra dedicata a Frida Kahlo. Confesso di non amare la sua pittura e a seguito della mostra confermo che i suoi dipinti non mi entusiasmano. Perchè? Dicono che le persone del segno della Bilancia come me siano amanti dell’estetica, del bello. Partendo da questo presupposto posso certamente affermare che il mio non amore per l’arte di Frida è esattamente legato ad un senso prettamente estetico. Lei protagonista dei suoi dipinti, con il suo monociglio, la sua peluria, la sua maniera di dipingere un po’ primitiva non rientrano esattamente nei miei “canoni di bellezza”.

Nonostante questa premessa apparentemente negativa posso affermare senza pudore di essermi innamorata di Lei, Frida.

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Conoscevo la sua storia a tratti, a dire il vero l’ho sempre un po’ snobbata proprio perchè non sono attratta dalla sua pittura. Al termine del percorso però ho imparato a leggere la sua arte attraverso il suo vissuto e cambiando prospettiva si sa, cambiano anche le sensazioni e le emozioni.

Frida è l’emblema della forza, della tenacia, della perseveranza. Una combattente, una rivoluzionaria e non solo sotto l’aspetto politico. Il suo destino fu segnato fin da bambina, quando all’età di sei anni le diagnosticarono la poliomelite. Questa la fonte ufficiale. Alcuni biografi sostengono invece che fosse affetta da spina bifida, una malattia genetica che la famiglia per questioni di buona reputazione preferì nascondere. Nel corso della sua vita subì 32 operazioni e considerando che morì a soli 47 anni possiamo dire che il dolore fisico fu una costante esistenziale.

La storia della spina bifida o poliomelite non è niente rispetto a quello che le accadde nel 1925, quando rimase vittima di un disastroso incidente stradale. L’autobus su cui viaggiava si scontrò rovinosamente con un tram. Frida fu trafitta da un palo di ferro dalla schiena al bacino. Perse così la sua verginità, perforata da un palo.

Era il 1925 e ovviamente la medicina non aveva i mezzi e le risorse di oggi. Mi chiedo quindi come sia stato possibile sopravvivere a una tale tragedia. Scoprendo passo dopo passo la sua vita (infelice gioco di parole), penso che Frida incarni perfettamente la credenza che esiste un destino già scritto per ciascuno di noi. Un disegno prestabilito, da qualcosa o qualcuno di immenso. Un disegno che letteramente divenne linfa vitale per Frida. Costretta a letto per un tempo infinito trovò nel disegno e nella pittura la sua ancora di salvezza. Quello spiraglio di vita a cui potersi aggrappare con tutte le sue forze.

Lei divenne il soggetto principale della sua arte. Prima di tutto per una questione prettamente tecnica…inchiodata a letto non vedeva altro che se stessa riflessa nello specchio fatto installare dalla madre sul suo letto a baldacchino. Questa condizione la portò inevitabilemnte a riflettere non solo la sua immagine ma anche il suo dolore, fisico e psicologico.

 

A seguito dell’incidente Frida imparò di nuovo a camminare, a reggersi sulle proprie gambe e a quel busto che dovette indossare per tutta la vita. Un busto rigido, pesante che divenne come una seconda pelle, come una delle tante cicatrici che il suo corpo fu costretto a sopportare e nascondere. Da questa condizione, unita anche al suo impegno sociale, vicino al popolo, nasce la volontà di indossare gli abiti tradizionali messicani, le ampie gonne, fondamentali per coprire le gambe malate e le coloratissime camicie. Un corpo turbato dal male fisico avvolto in tessuti dai colori sgargianti, allegri. Un contrasto quasi grottesco che trasformarono Frida in una vera icona.

Frida è conosciuta non soltanto attraverso i suoi dipinti ma anche attraverso la fotografia. Grazie all’influenza del padre fotografo, Frida capì ben presto le potenzialità del suo aspetto. Una femminilità primitiva, lo sguardo fermo, imperturbabile, quasi inespressivo.  Un atteggiamento che sembra sfidare il fruitore, ma che in realtà si pone in una condizione di isolamento, mostra una distanza tra lei e il resto del mondo, una distanza che rispecchia la sua solitudine interiore, quella tristezza ormai radicata nella sua anima.

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Dipingere per Frida diventa uno stato di necessità. Sulla tela esprime le sue ossessioni. L’arte è lo specchio dei suoi drammi. La sua immagine la cornice di cui si vestono i suoi dolori.

Quasi a prendersi gioco di loro, in un connubio di colori, stravaganze, eccessi, Frida appare alle persone che la conosceranno come una donna allegra, vivace, inebriante. Con il suo aspetto così colorato sembra farsi beffa della vita che la mette costantemente alla prova.frida ride

Innamorata dell’Amore, di Diego Rivera. Disperatamente innamorata di lui, del desiderio di diventare madre. I due lati opposti della medaglia. La gioia dell’amore, della passione, dell’arte che li ha fatti conoscere e unire per la vita. Dall’altra parte il tradimento, gli aborti. Schiaffi violenti che la vita le  riserba, come a farle ricordare con prepotenza che ad ogni gioia equivale un dolore, una prova.

Lei stessa disse: “L’angoscia e il dolore. Il piacere e la morte non sono nient’altro che un processo per esistere”

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Ma Frida è una tosta. E’ una donna piena di misteriose pulsioni, la sua essenza è dirompente, è fatta di contrasti e di sogni. Frida sembra capire che vivere è un mistero da gustare più che da capire e impara a considerare la sua infermità come un “luogo” nel quale coltivare lo spirito, in cui la creatività diventa arma di difesa per il tempo, per il dolore, per quella sensazione di morte che aleggia continuamente nella sua vita e che arriverà definitivamente il 13 luglio del 1954. Durante la notte Frida si abbandona alla morte, ufficialmente a causa di edema polmonare, più probabilmente è lei ad imporsi questa volta.  Decide di dire basta. Decide di salvarsi, una volta per tutte. E grazie ad un’overdose di Demoral, derivato della morfina chiude gli occhi per sempre. Frida si congeda dalla vita e chiude il sipario. Lascia alle sue spalle un mondo di sofferenza per rinascere una seconda volta. In quella Frida che conosciamo noi, nella sua arte, il suo viso.frida-kahlo-mostre-milano-2018-mudec-internettuale

La definirei come la Madonna dei nostri tempi. Un po’ forte come paragone, me ne rendo conto. Ma Frida si presenta come un’apparizione con la sua figura inconfondibile. Lei ti guarda e tu non puoi fare a meno di chiederti chi sia questa strana donna. Cosa si cela dietro il suo sguardo. La storia è affascinante, ricca di colpi di scena, episodi drammatici e altri dal sapore quasi fiabesco. Potrei scrivere per ore e raccontare la sua storia, la sua biografia. Ma il mio compito non è quello di darvi delle nozioni accademiche sulla sua vita. Troppo noioso. Spero invece che queste poche righe possano aver aperto il vostro cuore ad una donna straodinaria, che con la sua arte e il suo ardente amore per la vita ci sia da esempio, da musa, per sentire quanto il tempo che abbiamo a disposizione, per quanto doloroso e crudele sia, valga sempre la pena di essere vissuto pienamente, fino all’ultima goccia di colore.

 

 

Pubblicato in: Lo sapevi che...

Confiscati e Fotografati

Capita spesso che l’Arte faccia un passo indietro e si tolga le vesti da protagonista per lasciare i riflettori puntati su altri argomenti di ben altra natura. Lo si potrebbe definire quasi come un atto di umiltà. Mi piace pensare che l’arte, così come una persona, possa avere in sè dei valori e dei principi morali e che spesso divenga paladina di tali principi partecipando attivamente ad iniziative di grande sensibilità sociale. E’ questo il caso del concorso Confiscati e Fotografati, il primo concorso fotografico in Lombardia sul riutilizzo sociale dei beni confiscati alle mafie, organizzato dal coordinamento bresciano di LIBERA. L’arte, intesa come fotografia, abbraccia la nobile causa dell’associazione LIBERA, per informare, denunciare e stimolare la comunità pubblica su un argomento ancora poco conosciuto: la presenza di realtà mafiose anche nel nostro territorio.

Ma andiamo per gradi. Che cos’è Libera.

Libera è un’associazione che intende perseguire attivamente verso una società libera dalle mafie, dalla corruzione e da ogni forma d’illegalità. Una fitta rete di associazioni, cooperative, sindacati, diocesi è attiva su tutto il territorio nazionale e non solo, per combattere costantemente i fenomeni di criminalità organizzata. Il senso di Libera non è solamente quello di togliere il potere alle mafie, ma anche e soprattutto realizzare un’opera di riscatto e rinascita di beni macchiati da questo male sociale.

Come sostiene il Referente provinciale di Libera, Giuseppe Giuffrida: “C’è bisogno di legalità come c’è bisogno dell’aria, del pane, del sorriso, della felicità, dello star bene. C’è bisogno di un’armonia nei comportamenti, di un riscatto nella dignità di ciascun individuo”

La legalità diventa quindi un bisogno primario, necessario all’uomo per mantenere la sua libertà di individuo. In questo concorso l’arte si presta come mezzo, come ponte tra Libera e la gente comune che deve, inteso come dovere morale, essere a conoscenza di certe situazioni.

Il concorso prevede due categorie: 1. Categoria Beni confiscati e riutilizzati: il partecipante deve raccontare una storia attraverso 3 scatti fotografici, con lo scopo di mettere in luce ed esprimere al meglio il riutilizzo del bene; 2. Categoria Beni confiscati e non riutilizzati: il partecipante deve raccontare una storia attraverso 3 scatti che metta in luce il non riutilizzo del bene oppure le potenzialità del bene stesso proponendo una possibile idea di riutilizzo sociale;

La fotografia intesa come riflesso di legalità ritrovata, come manifesto di rivincita. Oppure come espressione creativa per dare idee, riflessioni e spunti soprattutto per quei beni confiscati non ancora riutilizzati.

Non è necessario essere fotografi professionisti per partecipare, basta avere una particolare sensibilità al senso sociale di questa iniziativa. Usare l’obiettivo per guardare oltre le stanze vuote, per dare una prospettiva di futuro e di speranza.

“Mettete dei fiori nei vostri cannoni” diceva una famosa canzone. E’ esattamente quello che Libera intende fare e sta già facendo dal 1995, anno della sua fondazione.

Con questo concorso anche noi possiamo dare il nostro contributo attivo a questa lotta quotidiana. Abbiamo l’opportunità di aprire gli occhi e soprattutto la mente di fronte a realtà che spesso manteniamo a debita distanza, talvolta per ignoranza (nel senso letterale del termine), talvolta per convenienza.

Quindi amici diamo un contributo concreto a questa battaglia. Mettiamoci in prima linea con i nostri occhi digitali. Mostriamo attraverso le nostre fotografie quello che possiamo fare e ottenere come cittadini liberi e consapevoli!

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Ecco qualche indicazione tecnica relativa al concorso:

Per iscriversi è necessario compilare la “scheda di iscrizione”.

L’elenco dei beni (immobili/terreni) di cui è possibile scattare immagini destinate al concorso sarà fornito dall’organizzazione, il 29 gennaio, previa sottoscrizione della clausola di riservatezza all’atto di iscrizione.

Indirizzo mail dedicato al concorso fotografico: confiscatiefotografati@gmail.com Eventuali informazioni di carattere generale possono essere richieste al Coordinamento provinciale di Libera alla mail: brescia@libera.it 

Il termine per la presentazione degli elaborati sarà il 31 marzo 2018. Una giuria specializzata selezionerà i 10 migliori elaborati che saranno protagonisti di una mostra allestita presso la biblioteca di Concesio in data 19 aprile in occasione della quale saranno proclamati anche 3 vincitori, uno per categoria e il miglior scatto.

 

 

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Il colore del 2018 – Ultra Violet

Anno nuovo colore nuovo! Questa è da sempre la regola di una famosissima azienda statunitense il cui nome suonerà familiare a molti di voi. L’azienda in questione è la Pantone Inc. Qualcuno ai tempi della scuola avrà utilizzato l’omonimo pennarello per disegni tecnici o di grafica, altri avranno visto il marchio Pantone su complementi d’arredo, fatto sta che il sistema Pantone fa parte delle nostre vite da oltre 50 anni. Inizialmente questo metodo è stato messo a punto per poter classificare i colori e “tradurli” nel linguaggio di stampa a quadricromia CMYK (ciano, magenta, giallo e nero) semplicemente grazie a un codice. A partire dal 2000, Pantone sceglie un colore come rappresentativo dell’anno nuovo.

E per l’anno 2018…the winner is….Ultra Violet (codice: 18-3838)!

PANTONE 18-3838- Ultra Violet

Quidi preparatevi, presto saremo circondati da Ultra Violet! Sarà il colore di tendenza soprattutto per la moda e il design.
Lee Eisenman, il direttore esecutivo del Pantone Color Institute, durante la presentazione del nuovo paladino dell’azienda ha commentato: “Il viola è un colore complesso. E noi viviamo un’epoca complessa; l’Ultra Violet è inoltre un colore che induce alla meditazione da praticare sempre più spesso nella frenesia della quotidianità moderna”.

Il 2018 avrà quindi come sfondo un colore “complesso e contemplativo”. Una sorta di augurio per trovare la luce in fondo al tunnel. In quest’epoca così ricca di contrasti e scontri si sente la necessità di immergersi fino in fondo, in una profondità cromatica in cui il blu intenso degli abissi del mare si unisce al rosso fuoco del centro della terra. La loro unione porta al viola. Il colore che va oltre il caos, che supera il marasma e cerca la tranquillità, la pace, la meditazione appunto.

Se andiamo a ricercare le origini e le associazioni psicologiche legate a questo colore scopriremo alcuni aspetti davvero interessanti.

Tutti sanno che il viola viene spesso associato alla sfortuna. Le origini di questa interpretazione risalgono al medioevo. In quel tempo durante la Quaresima il viola era considerato un colore sacro. Sacro per tutti tranne per quei poveri artisti di teatro che si ritrovavano al verde…(sempre per stare sul pezzo) a causa del divieto di rappresentare spettacoli pubblici.  Per questo motivo il colore viola divenne odiato dagli artisti e vietato in teatro. Con il passare del tempo è diventato simbolo della controcultura, della rottura delle regole e del talento artistico, basti pensare a popstar come Prince e la sua Purple rain e all’architetto Frank Lloyd Wright, che portava un mantello viola per sentirsi più creativo.

purple rain

E il caro Franck aveva ragione. Si dice infatti che grazie alla sua influenza e vicinanza si ottiene un accrescimento di creatività e ispirazione. Quindi amici artisti indossate il viola e il vostro estro subirà un’evoluzione mistica! Attenzione però, va bene per gli abiti ma non per le pareti! Secondo la teoria del feng shui è ideale per elementi decorativi da inserire nello studio, nella stanza da lettura o di meditazione, in quanto portatore sano di comunicazione, intelletto e stimolo ad aprirsi a nuove scoperte.

Conoscere il colore dell’anno per me è diventato una sorta di rituale, come ascoltare a tutto volume dalla tv la marcia di Radetzky il primo dell’anno. Ammetto che il viola non rientra esattamente nella mia top five. Ma sono sicura che mi regalerà delle piacevoli sorprese.

Ognuno ha il “suo” colore,  quella tinta che ti prende, che senti familiare, intima. Il colore preferito è come una cassa di risonanza di noi stessi. Altri colori invece li sentiamo ostili, lontani dal nostro modo di essere. Tra noi e i colori deve crearsi empatia. Sono le affinità elettive che ci congiungono a frammenti di noi stessi sparsi in giro per l’universo.  Quando il nostro sguardo incontra il colore nasce armonia. Un giorno è il colore della calma, il giorno dopo quello della rabbia, il giorno dopo ancora il colore dell’amore. Ogni colore include in sè una proprietà, una sorta di formula magica.

Chissà magari un giorno al posto delle farmacie ci saranno le botteghe del colore, in cui ognuno di noi andrà alla ricerca del colore necessario per curare la sua spiritualità, coltivale il suo intelletto e cullare le proprie idee trasformando così la propria vita in una tavolozza di colori.

 

Pubblicato in: L'Arte parla di sè

“Nise – Il cuore della follia” – Non aver paura dell’inconscio

E’ il primo giorno dell’anno e ho già ricevuto un regalo inaspettato. Tardo pomeriggio after pulizie di casa, relax sul divano, consultiamo Netflix e un titolo ci colpisce: Nise – Il cuore della follia. La trama dice: In questo film tratto da una storia vera, una psichiatra si oppone all’elettroshock come cura per la schizofrenia e incoraggia i suoi pazienti a dedicarsi all’arte.

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Perfetto direi. Il film inizia con un’immagine stupenda. Un inchino al direttore della fotografia. Una donna di spalle, vestita con un tailleur rosso ruggine, bussa insistentemente alla porta sorda di un edificio freddo e austero. Quella donna è la Dottoressa Nise da Silveria e quell’edificio è il Centro Psichiatrico Pedro II di Rio de Janeiro.

Di origine brasiliana, fu la prima donna psichiatra a rifiutare i metodi cruenti usati all’epoca per curare la schizzofrenia. Era circondata da colleghi (tutti uomini) sostenitori di “grandi innovazioni scientifiche” come l’utilizzo della lobotomia e dell’elettroshock. Disorientata da tanta violenza decise di perseguire la cura alla schizzofrenia con un suo metodo che aveva come capisaldi l’affetto e l’arte. Ovviamente il suo operato fu subito criticato ed ostacolato il più possibile. Se si fosse trovata durante i secoli della caccia alle streghe non avrebbe avuto scampo. Fortunatamente ai suoi tempi, si parla del secondo dopo guerra, nonostante le difficoltà che incontrò ed i pochissimi mezzi che aveva a disposizione, trasformò vecchie e luride sale ospedaliere in atelier di pittura e scultura, laboratori di cucito e di giardinaggio.

Allieva della scuola di Jung mise al centro delle sue cure l’attenzione al paziente, prima di tutto considerandolo e trattandolo come essere umano estremamente fragile, viste le condizioni in cui questi poveri disgraziati si trovavano. Condizioni psichiche aggravate notevolmente dall’ambiente in cui erano reclusi e dai metodi che dovevano subire.

Nise divenne una sorta di madrina di questi uomini e donne afflitti da patologie oscure e vorticose in cui il loro senno sembrava completamente disperso. Con l’aiuto di validi collaboratori, dotati anch’essi di una particolare sensibilità umana, riuscì ad utilizzare l’arte come canale per liberare il torbido che ormai si era sedimentato nell’inconscio dei suoi pazienti.

Attraverso i colori e la creta i pazienti esprimevano liberamente il loro stato interiore, il loro inconscio. Partendo inizialmente da segni confusi e compulsivi, passarono poi a forme geometriche più precise e delineate, fino ad arrivare alla rappresentazione della realtà. Una realtà interiore. I fantasmi e i traumi del passato, spesso causa del loro ricovero, iniziarono ad emergere sulla tela, ad essere vivi attarverso la materia. I progressi furono sorprendenti. Tanto da portare qualcuno di loro alla guarigione.

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La produzione di questi atelier fu sottoposta ad un famoso critico d’arte brasiliano Mario Pedrosa, che volle fortemente divulgare  questa nuova ed entusiasmante forma d’arte al di fuori dell’ospedale psichiatrico.

Nel 1952 fu organizzata una mostra che successivamente evolverà in un museo.  L’abbondante produzione artistica di questi nuovi talenti è in continua crescita. Nel gennaio del 1981 la sua collezione riuniva circa 160 mila documenti tra pitture su tela, su diverse tipologie di carte, disegni o modellazioni.

Il museo oggi è un centro vivo di studi e ricerche sulle immagini dell’inconscio, aperto a tutti gli studiosi di tutte le scuole psichiatriche.

Grazie a questo metodo il malato subisce un mutamento. Non solo psichico ma anche umano. La sua malattia si trasforma in talento. Il mondo interiore, invisibile e spesso spaventoso, si apre attraverso l’arte. Emerge senza paura, senza limiti, senza restrizioni. Esplode nei colori, nei segni tracciati dal pennello, nelle forme plasmate dalle mani. E’ un linguaggio puro, complesso, essenziale, intenso. E’ il linguaggio dell’incoscio che ognuno di noi conserva dentro di sé, come in una scatola dei segreti.

Alcuni di essi sono sconosciuti persino a noi stessi. E’ il sorprendente potere della mente. Lucida e irriverente. Tutti noi abbiamo in dono un pizzico di follia. Così come la rabbia, la paura, la passione sono sfumature del nostro essere anche la pazzia ci appartiene. Se è vero che esiste il suo opposto per ogni cosa…potremmo dire che non c’è gioia senza dolore così come non esiste ragione senza follia.

E’ il primo giorno dell’anno e questo film mi ha regalato delle emozioni molto forti e soprattutto un grande senso di speranza. La speranza che ognuno di noi sia sufficientemente pazzo da trovare nella vita la sua personale forma d’arte. Quella pratica che tocca le corde del proprio inconscio liberandolo da gabbie inutili che ci impediscono solamente di mostrare il nostro talento più grande, quello di essere semplicemente noi stessi.